En esta matriz veremos a pintores que pertenecen a cuatro corrientes pictóricas:
Romanticismo, Realismo, Impresionismo y pintores postimpresionistas.
Dentro del Tema 16 del libro de Texto:
- Página 346: Principios estéticos del Romanticismo y arquitectura romántica (revivals vistos en el bloque anterior).
- Página 347: Pintura Romántica en Francia, con tres autores: Ingres, Gericault y Delacroix.
- Página 348: Romanticismo Ingles: con Turnes y Constable
- Página 349: Romanticismo Alemán con Friedrich (también nos hablan en esa página de los revivals pictóricos de los nazarenos y de los prerrafaelitas.
Con esto dejamos el tema 16 y nos vamos al Tema 17, con las artes figurativas de la segunda mitad del XIX:
- Páginas 356 y 357, intro histórica del momento en el que surgen estas corrientes pictóricas-
- Paginas 358 y 359, Realismo, con sus orígenes en los pintores de la Escuela de Barbizon y los tres grandes pintores realistas: Millet, Daumier y Courbet.
- Antes de hablar del Impresionismo, tenemos que ver la figura de Manet, como antecedente inmediato en la página 360.
- Después, en la página 361 tenemos una explicación sobre los principios estéticos del impresionismo (y en la parte de abajo una alusión al Japonismo)
-Páginas 362 y 363: Monet, Degas y Renoir.
- Aunque quedan fuera de las matrices prácticas en la página 364 tenemos dos estilos contemporáneos al impresionismo, el Neoimpresionismo de Signac y Seurat y el Simbolismo de Odilón Redón.
- En la página 365 tenemos la "escultura impresionista" que veremos más adelante con Rodin.
- Y por último, en las páginas 366 y 367 tenemos a los cuatro postimpresionistas: Cézanne, Van Gogh, Gaugin y Toulouse-Lautrec.
Pincha aquí para ver imágenes de las principales obras de estos artistas.
Pasamos a ver las obras de esta matriz comentadas.
EL BAÑO TURCO
DE INGRES
1862
Técnica : Óleo sobre
lienzo
Estilo Neoclásico-
Romanticismo.
Dimensiones. 108 x
108 cm
Localización actual : Museo del Louvre.
Fue realizado
a los 82 años y el cuadro, que
cuenta con desnudos no despierta erotismo ni tampoco produjo escándalo
como las obras de Courbet o Manet.
ANÁLISIS
Su formato en principio fue rectangular para luego darle forma de tondo
como si fuera una cerradura por la que
el ojo mira de forma furtiva el interior(
voyeurismo) .
La
escena no la realiza a partir de algún
viaje a Oriente sino por lecturas probablemente de un libro de una dama del
siglo XVIII lady Montagu , esposa del
embajador inglés en Constantinopla , que visitó un baño femenino.
El interés
por el mundo oriental se pone de moda sobre todo tras la campaña
de Napoleón en Egipto. Este cuadro está lleno de exotismo pero también de las
propias ensoñaciones o “creaciones “ del
occidental sobre el mundo oriental.
ICONOGRAFÍA.
En la
escena se cuentan hasta 24 mujeres en torno a una piscina mostrando
diferentes posturas: estiradas, tomando café, bailando , charlando, saliendo
del agua, secándose.
En el
lienzo se aprecian referentes a obras
anteriores suyas. Así en primer plano la mujer que toca el
laud recuerda a La Bañista de Valpinçon que casi es igual, la diferencia es que se
encuentra algo más de perfil y al
levantar el brazo deja ver su seno. La luz cae especialmente sobre su cabeza y
hombro.
Detrás de la
mujer que danza junto al estanque y con
menor iluminación se encuentra
recostada una mujer que recuerda
a la Gran Odalisca.
Al fondo en una
hornacina un jarrón azul cuyo brillo constituye un punto de luz.
A la derecha
levantando los brazos otra bañista
está apoyada en una almohada
de color azul y bordados rojos y lleva un collar dorado. Uno de sus
pechos está visto de manera frontal y el
otro de perfil. Además de "imperfecciones " en la unión de brazo y
cuerpo. (influencia en Picasso) .
A su lado una
bañista con corona de gran riqueza cromática, tal vez la favorita del sultán ,
presenta la nota más erótica al tocar el pecho de una mujer más joven.
La mujer de
medio cuerpo que se encuentra perfumándose remite a su Pequeña Bañista y a su vez a la Fornarina
de Rafael.
El mundo
exótico se resalta por la presencia de detalles del bodegón del primer plano:
tetera, jarra de porcelana, taza, pero también collares, esencias…
Desde el punto
de vista compositivo
- Es una composición
abierta en la que la mayor concentración
de mujeres más detalladas se encuentra a
nuestra derecha mientras que a la
izquierda se presenta un cierto vacío
ocupado por la piscina.
- Como en toda la
obra de Ingres hay una gran importancia de la línea que remarca los contornos.
- El modelado o
volumen de algunos desnudos como el de la bañista que tañe el laud es perfecto
pero en otros se encuentran imperfecciones , desproporciones, diferentes
encuadres que son los que influyen en Picasso. .
La luz que
parece cenital incide especialmente en el tocado y la espalda de la Bañista del
primer plano creando claroscuro. Esta iluminación inunda casi toda la estancia.
Sin embargo el
fondo de tonos verdosos está en penumbra y contribuye a centrar la vista sobre
los desnudos.
La profundidad:
La posición en esquema diagonal de las bañistas de la derecha nos parece conducir como punto de fuga hacia
el fondo en el destaca con un brillo del
jarrón como punto de fuga
- Color : Dominan los
tonos cálidos de los cuerpos a estos se unen
los rojos y fríos como azules y verdes .
Sobre el AUTOR:
Ingres es uno de los grandes maestros de la pintura
francesa del siglo XIX considerado como
representante del neoclasicismo por su
rigo, importancia del dibujo y búsqueda de la belleza ideal. Sin embargo su gusto por el suave erotismo y el orientalismo le acercan al romanticismo.
Su longevidad
le permitió una gran carrera artista que
principalmente tuvo como centros Paris y
Roma. En esta ciudad primero estuvo como alumno de la Academia Francesa y
posteriormente como director. Sus
primeros cuadros recibieron fuertes críticas por sus imperfecciones y tuvo que
esperar casi a la vejez para encontrar
el reconocimiento.
Su obra
influirá en artistas como Picasso.
LA BALSA DE LA MEDUSA DE GERICAULT
IDENTIFICACIÓN:
Técnica: óleo sobre lienzo
Cronología. 1819
Formato: 490 x 717 cm
Estilo:
Romanticismo
Localización: Museo
del Louvre
ANÁLISIS.
Iconografía
El tema es un tema denuncia.
Se parte de un
hecho real del naufragio frente a las costas de Senegal de la fragata " Medusa". El capitán
y sus oficiales abandonan el barco en botes y abandonaron a la tripulación en
medio del océano.
Los
supervivientes construyen una balsa que en un primer momento ocuparon casi 150
personas sobreviviendo solo 15. Los
supervivientes describieron escenas dantescas como el canibalismo que sugiere
también un hacha ensangrentada.
Gericault buscó toda la
información posible e hizo este cuadro de grandes dimensiones en el
que se toma la libertad de presentar el dramatismo con los naúfragos haciendo señales a un
barco mientras las olas y el viento
parecen amenazar a la fragil balsa. Sin
embargo el pintor no se recrea en lo macabro
a pesar de restos de sangre que
se distribuyen por la balsa
Análisis formal
Es un cuadro de
un gran formato casi 5 m x 7 m.
La composición es
abierta , con zig-zag, escorzos que crean dinamismo.
En el cuadro se
pueden distinguir dos estructuras
piramidales, una pirámide de la esperanza y regresiva con la diagonal
hacia atrás , que tiene como
vértice el muchacho negro que agita una
tela roja para avisar al barco que se divisa al fondo, aunque sea
un punto diminuto y en la que abundan los brazos en escorzos en esa dirección,
la elección del muchacho de color se relaciona con su posición
antiesclavista. ; y una pirámide de la
desesperanza formada por las velas pues
el viento sopla en dirección contraria
del barco y en dirección de la inmensa
ola que se aproxima y cuya forma se
parece a la vela. De este modo: se contrapone
la muerte y la esperanza de la vida.
Volumen y
corporeidad Importancia del modelado,
realismo en fuertes anatomías (Gericault estudió cadáveres) que siguen influencia clásica como en el padre
del primer plano con manto rojo ( retrato de su amigo Delacroix) con su hijo
muerto que recuerda en suanatomía a la obra de Miguel Ángel.
El color
predomina sobre el dibujo. Los tonos
dominantes son los cálidos, que son los
más apropiados para el dramatismo de la escena, sobre el dibujo como los ocres
de las indumentarias y de la vela , los marrones de la balsa, los colores
encarnados y rosados de la carne, los rojos y anaranjados de la tela , de la
capa del padre , de algún pantalón o de la sangre.
LA LUZ de claroscuro es una luz de atardecer de influencia de
Caravaggio que incrementa el
dramatismo, al igual que el cielo tormentoso y amenazador
Espacio. El
encuadre está realizado desde un punto de vista alto para dar protagonismo al
drama de los personajes.
Ritmo o
movimiento hacia atrás mediante la diagonal desde los moribundos, pasando por los naúfragos que levantan la mano hasta el muchacho que quiere llamar la atención con un girón
de tela.
Expresión. En
la escena aparece la desesperanza como la del hombre que ha perdido ha su hijo
y que ya todo le parece igual a la esperanza manifiesta en aquellos que hacen un esfuerzo por
incorporarse para llamar la atención del barco salvador
CONTEXTO Y
SIGNIFICADO
El momento
histórico es la de la restauración de la monarquía en la persona de Luis
XVIII tras el periodo revolucionario y el
imperio napoleónico con la burguesía conservadora en el poder. Pero también
estamos en los inicios del romanticismo
El romanticismo es
un movimiento ideológico y cultural caracterizado
: Individualismo y exaltación de la libertad; exaltación
de los sentimientos: pasión amorosa, religión , lo trágico, la muerte (
cementerios, duelos....); valoración del propio pasado histórico por tanto de lo que diferencia , lo que individualiza como la
recuperación de las tradiciones
base de los nacionalismos, pero también gusto por lo exótico : lo oriental, el
mundo árabe y el sur de España.
En algunos
casos se observa un gusto por la naturaleza pero tratada subjetivamente como en
Alemania con Friedrick.
En cuanto al
estilo pictórico se recupera la importancia por el color y los esquemas
compositivos dinámicos como en el barroco. Además el artista tiende a expresar
su subjetividad, abriendo así un nuevo camino en el arte occidental.
SIGNIFICADO SIMBOLISMO
Uniforme
abandonado refleja metáfora de la
decadencia de Francia.
Crítica de la
monarquía y tema denuncia, por este
motivo fue censurado durante cierto tiempo
Gericault falleció
joven por lo que su obra no es extensa. Estuvo comprometido con la
Revolución como se observa en los
cuadros con jinetes del ejército napoleónico,
pero también realizó cuadro cuya temática es romántica como el mundo de
los locos.
LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO
Aquí un buen comentario
Podéis añadir que el movimiento, el dramatismo y la fuerte carga emocional son típicos de la pintura rimántica, pero también los podemos relacionar con la pintura barroca, en especial la de Rubens, de quien Delacroix era un gran admirador.
EL CARRO DE HENO DE CONSTABLE
LLUVIA, VAPOR Y VELOCIDAD
DE TURNER
EL ENTIERRO DE ORNANS DE COURBET
EL ÁNGELUS DE MILLET
(Para ver más obras y tener una visión general de Manet, de los impresionistas y de los postimpresionistas puedes pinchar en este enlace que te lleva al otro blog)
DE MANET
Pincha aquí para ver un comentario de la obra
Pincha aquí para ver un breve vídeo con un comentario de esta obras y una breve referencia a la trayectoruia de Monet
Y Pincha aquí para ver una recreación de cómo Monet pintó este cuadro
SERIE SOBRE LA CATEDRAL DE RUÁN
LE MOULIN DE LA GALETTE DE RENOIR
Tenéis otro comentario en la pág. 50 del cuadernillo
Pintado por el francés Auguste Renoir (1841-1919) en 1876, es una de las obras que mejor plasman las características del estilo impresionista. Fue expuesto por primera vez en la III Exposición Impresionista de 1894 y representa un baile en el Moilin de la Galette, un popular merendero del barrio de Montmartre, un momento de la vida parisina en una atmósfera de feliz abandono. Presenta a la gente sencilla y popular que se divierte un soleado día de verano en aquel lugar al que se acudía los domingos a bailar.
El cuadro tiene el atractivo de una impresión accidental y sin embargo es fruto de una minuciosa observación de la realidad. Es precisamente esa instantaneidad lo que nos permite ponerlo en relación con la fotografía: Renoir capta un momento determinado, algunos personajes se giran y observan al espectador, otros siguen con sus bailes o charlas y otros, simplemente, son cortados a la mitad como si quedaran fuera de un encuadre fotográfico.
El cuadro tiene el atractivo de una impresión accidental y sin embargo es fruto de una minuciosa observación de la realidad. Es precisamente esa instantaneidad lo que nos permite ponerlo en relación con la fotografía: Renoir capta un momento determinado, algunos personajes se giran y observan al espectador, otros siguen con sus bailes o charlas y otros, simplemente, son cortados a la mitad como si quedaran fuera de un encuadre fotográfico.
La técnica utilizada, óleo sobre lienzo, es completamente impresionista, con toques de pincelada suelta. La composición clásica tridimensional hace que en los primeros planos las figuras se vean más nítidas, mientras que se hacen borrosas hacia el fondo. Las líneas paralelas y convergentes establecen diferentes puntos de fuga y nos alejan de la visión unitaria.
La composición en diagonal y en diferentes planos paralelos que se alejan paulatinamente, remite a formas clásicas. Los personajes se disponen en dos círculos: uno en torno a la mesa del primer plano y otro, en torno a la pareja que está bailando y que parecen los protagonistas de la fiesta, el pintor cubano Pedro Vidal y la joven Margot que tantas veces sirvió como modelo a Renoir.
Influido por su contemporáneo y amigo Edgar Degás, Renoir introduce dos perspectivas diferentes, una aplicada desde arriba para representar las figuras de primer plano y otra frontal en el fondo del cuadro.
La luz, unos de los elementos principales del estilo impresionista, unifica y diversifica a la vez. Es una luz clara, brillante que se filtra a través del follaje de los árboles e incide en forma de manchas sobre los personajes, el suelo… es la misma luz que Renoir utiliza en otras obras suyas como El Columpio o La muchacha desnuda al sol.
Las sombras, siguiendo los parámetros impresionistas, son azules y otorgan unidad al conjunto. Los colores se enriquecen en matices por la luminosidad que los refleja: colores blancos, negros, azules verdes… La belleza se manifiesta por el tratamiento de la luz y el color, a ellos se une el baile, la música, el murmullo de las conversaciones y el susurro del viento entre árboles; es la vida que fluye y se desarrolla, es el París de la época, el París de Renoir.
UNA TARDE DE DOMINGO EN LA GRANDE JATTE DE SEURAT
Pincha aquí para ver un breve vídeo con un comentario de esta obra
Antes de ver las obras de los impresionistas, PINCHA AQUÍ para ver un vídeo en el que nos hacen un recorrido por las principales obras de estos autores.
JUGADORES DE CARTAS DE CÉZANNE
Obra realizada por Cezanne entre 1894 y 1895 en óleo sobre lienzo.
Realizó cinco versiones de este tema. Una escena de género como la de estos Jugadores de cartas (1890-1895) ha sido abordada por Cézanne de un modo muy distinto al habitual. El ambiente tabernario ha desaparecido casi por completo, reduciéndose a la mesa y a la botella que centraliza la composición.
La temática no es nueva en absoluto, las partidas de naipes habían sido representadas desde el Renacimiento y con mayor frecuencia desde el siglo XVII. Es posible que Cezanne encontrara la inspiración para realizar sus obras en los cuadros de Caravaggio, Chardin o los hermanos Le Nain, los cuales tratan la temática de los naipes. También la influencia de los impresionistas y la estampa japonesa es apreciable en el tratamiento espacial y la pincelada suelta, así como el realismo de artistas como Daumier.
La temática no es nueva en absoluto, las partidas de naipes habían sido representadas desde el Renacimiento y con mayor frecuencia desde el siglo XVII. Es posible que Cezanne encontrara la inspiración para realizar sus obras en los cuadros de Caravaggio, Chardin o los hermanos Le Nain, los cuales tratan la temática de los naipes. También la influencia de los impresionistas y la estampa japonesa es apreciable en el tratamiento espacial y la pincelada suelta, así como el realismo de artistas como Daumier.
La escena se desarrolla en el interior de una taberna donde dos personajes dispuestos de perfil se entretienen ensimismados jugando a las cartas. Los jugadores se han identificado como campesinos de la Provenza en una escena cotidiana de ahí, su clasificación como costumbrista. Los personajes ajenos al espectador siguen con su partida de cartas, aparecen serios y pensativos; uno de ellos, el que aparece fumando, tiene una postura más relajada por lo que estaría ganando, mientras el otro jugador se dispone a hacer su jugada. Ambos aparecen ataviados con elegantes ropas, sombrero y bigote. Los hombres se apoyan en una pequeña mesa de madera cubierta por un mantel, sobre ella una estilizada botella da paso a la cristalera de la taberna.
Composición: Es la botella sobre la mesa quien divide el cuadro en un eje simétrico quedando cada jugador con sus cartas a cada lado. La luz se refleja en la botella y realza los objetos pintados de blanco, el fondo, ya de por sí abocetado, aparece en penumbra centrando la atención de espectador en la mesa de juego.
La paleta cromática es pobre y la pincelada suelta y abocetada
Ha construido mediante el color las formas, los volúmenes, el espacio. Debe señalarse además la tendencia de Cézanne a representar las figuras sirviéndose de unas pocas figuras geométricas elementales: "Todo en la naturaleza se modela según la esfera, el cono y el cilindro", y de ahí la nítida solidez de los brazos, el sombrero, o de todos los otros elementos de la composición.
Mientras el impresionismo diluía las formas en el color y la luz, buscaba lo cambiante, Cezanne intenta captar, también mediante el color, la esencia, lo que no cambia.
La geometrización de sus pinturas hizo que Cezanne fuera el principal precursor del estilo cubista y una fuerte influencia para los artistas que profesaron esta tendencia como Picasso o Braque.
La geometrización de sus pinturas hizo que Cezanne fuera el principal precursor del estilo cubista y una fuerte influencia para los artistas que profesaron esta tendencia como Picasso o Braque.
MANZANAS Y NARANJAS DE CÉZANNE
LA NOCHE ESTRELLADA DE VAN GOGH
Fecha: 1889
Técnica: óleo sobre lienzo
Formato: Pequeño 73,7
x 92,1 cm
Estilo: Postimpresionismo
Genero: Paisaje
Localización. Museo de Arte Moderno Nueva York Con esta conocida obra se acerca a una concepción cósmica, es una naturaleza que abruma. la pequeñez del ser humano frente a las fuerzas de la naturaleza. La agitación es de espasmo. El ámbito humano queda aplastado por el movimiento de la bóveda celeste. Los astros están a punto de chocar, nos hallamos ante un eminente fin del mundo, ante el mayor de los cataclismos.
La obra fue pintada en el año 1889, el mismo año que se arrancó el lóbulo de la oreja después de mantener una fuerte discusión con su amigo Gauguin. Poco tiempo después regresó a su casa amarilla, donde empezó a pintar de nuevo; más adelante ingresó en el hospital de Saint-Rémy, donde empezó a tener alucinaciones y ataques epilépticos, pero no recibió ningún tratamiento. Empezó a pintar en el jardín del hospital, donde había cipreses. Van Gogh se comportaba de modo violento contra otras personas; llegó a intoxicarse al ingerir pintura, se sentía acosado por las alucinaciones y lo demuestra en la obra La noche estrellada
La obra no fue pintada de noche sino de día y de memoria estableciendo una síntesis entre lo real y su mundo imaginario.
En primer plano unos cipreses ondean al viento con formas vigorosas, la planitud de su composición y sus formas redondeadas nos remiten a la influencia de la estampa japonesa y a la obra del, también postimpresionista, Seurat. Todos estos efectos se consiguen por medio de una pincelada larga, arremolinada y espasmódica.
En la parte de abajo del cuadro, Van Gogh representa un pequeño pueblo del que destaca la aguja de su catedral o iglesia, posiblemente de estilo gótico. Las casas son realizadas con precisión a través de gruesas líneas que se rellenan de color. En muchas de ellas una pequeña luz dorada nos indica la vida familiar en el interior del hogar.
Al fondo unas ondulantes montañas cabalgan unas sobre otras marcando la línea del horizonte. El hecho de situar esta línea tan baja hace referencia a la importancia que el artista otorga al espacio celeste. En cuanto a la temática, la noche es la verdadera protagonista; no lo cipreses de primer término, ni tan siquiera el pequeño poblado, es la noche con su luna en cuarto menguante y las estrellas brillando en el oscuro cielo.
La temática nocturna era una de las favoritas del pintor neerlandés que ya la había trabajado en otras de sus obras como La terraza del café. Es precisamente el cielo que se torna circular alrededor de la luna y las estrellas lo que otorga movimiento al conjunto e insufla viva al adormecido paisaje nocturno del pueblo.
La composición horizontal que marcan las montañas dividiendo cielo y tierra se rompe por la verticalidad del ciprés.
Las líneas ondulantes se han relacionado a menudo con su precario estado mental, la curva como reflejo de la confusión y frustración mental que sufría el artista.
Los tonos utilizados son comunes en esta última etapa del pintor: azules, malva…colores fríos que en esta ocasión se contraponen a la calidez que desprende el amarillo y que parece inundar toda la composición.
La pincelada es corta y rápida, fuertemente cargada de pigmento que induce al movimiento y dinamismo en la composición.
La pincelada es corta y rápida, fuertemente cargada de pigmento que induce al movimiento y dinamismo en la composición.
Por el significado podría enlazar el Romanticismo, en línea de un Friedrich. También sirve de puente de unión con el Expresionismo posterior que participa de la concepción del universo incidiendo en la pequeñez del hombre.
En la pág. 307 del libro de texto tenéis otro breve comentario
EL SEGADOR DE VAN GOGH
VISIÓN DESPUÉS DEL SERMÓN
DE GAUGIN
Realizada en óleo sobre lienzo esta obra
fue pintada por Paul Gauguin (1848-1903) en 1888 cuando, agotado de la, para
él, ya manida y poco satisfactoria vida parisina decide trasladarse a Bretaña,
una de las regiones más aisladas de Francia. Gauguin perteneció al grupo de
pintores que partiendo de algunas de las premisas impresionistas, potencian un
estilo más personal e innovador que dará paso a las vanguardias artísticas, son
los llamados post-impresionistas.
Allí realiza un cuadro de temática religiosa que
pretende donar a una iglesia local. Gauguin elige el tema de la lucha de Jacob
contra el ángel. Jacob que había intentado engañar a su padre y quitarle la
primogenitura a su hermano Esaú, fue expulsado de su hogar hasta que recuperara
el camino del Señor. Gauguin plasma uno de los muchos sufrimientos que tuvo que
pasar Jacob para recuperar el favor de Dios y de su familia, en este caso
aparece luchando con un ángel enviado por Yahvé, quien le reveló su nuevo
nombre Israel. Un grupo de mujeres bretonas está rezando mientras ocúrrela
aparición.
El cuadro, a pesar de basarse en un tema
religioso incorpora elementos locales y
es tratado de una manera muy personal y simbólica. Las mujeres bretonas,
ataviadas son traje negro y cofia blanca llevan el típico traje bretón, su
porte es de gran tamaño y enfrente del grupo aparece una vaca mucho más
pequeña. Una rama de manzano divide diagonalmente la composición y en la otra
mitad aparece la lucha descarnada de Jacob con el ángel. Jacob aparece vestido
con una túnica negra y pelo negro que contrasta con el ángel rubio de túnica
azul y grandes alas amarillas.
En los rostros de algunas de las mujeres
vemos unos rasgos toscos y muchas otras
aparecen –semi desdibujadas, todo ello es fruto de unos rasgos poco trabajados
y más cercanos a las formas de arte primitivo que a una autentica
intencionalidad de retratar al pueblo bretón.
En esta obra el pintor postimpresionista
utiliza una técnica denominada cloisonnisme que
se inspira en las técnicas utilizadas para la elaboración de vidrieras y
esmaltes. Consiste en otorgar a la figura de un dibujo remarcado por gruesos
trazos negros y la aplicación de grandes manchas de color brillante que otorga
planitud a la composición.
Utiliza el color de modo simbólico sin
ajustarse a la realidad por lo que podemos concluir que más que reflejar un
hecho para que parezca real, Gauguin interpreta la realidad a su manera como si
de un estado onírico se tratara. Algunas de las vanguardias posteriores como
el simbolismo o el surrealismo, tomarán esta premisa como
parte de sus composiciones artísticas.
En la obra vemos la influencia que
la estampa japonesa en el tratamiento de una
perspectiva no real, es común en los artistas de esta época y sobre todo del
impresionismo la recurrencia a fuentes de inspiración orientales tal y como lo
hicieron artistas de la talla de Manet, Monet, Toulouse- Lautrec…
La sencillez de la composición es parte de la representación del primitivismo
que quiere transmitir el artista pero también de la emoción e intensidad del
momento representado.
(Comentario de Laura Prieto)
EL MERCADO DE GAUGIN
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